EL PLEITO POR EMILIA PÉREZ

Pues a mí sí me gustó Emilia Pérez, el musical “brechtiano” de Jacques Audiard. Claro, yo soy de esos que también disfrutan leyendo a Charles Bowden, viendo series de frontera como The Bridge o pelis como El consejero. Me interesa muchísimo la mirada de los extranjeros sobre México, porque es en la mirada del foráneo donde contrastan más los aciertos, desatinos y peculiaridades de una cultura. La exagerada polémica sobre doña Emilia me recuerda la de Los olvidados, de Luis Buñuel (¡otro extranjero!), de quien se exigió su deportación por “haber ofendido a México” con su cinta. Hoy Los olvidados ostenta, en algunas listas, la curiosa medalla de ser la mejor película del cine mexicano de todos los tiempos, aunque la dirigiera un baturro sordo. Otra cuestión delicada es que, no sé, quizá a muchos intelectuales mexicanos no les guste que fuera de México se rueden películas sobre México, o que se escriban novelas sobre sus pesares nacionales (al pueblo, le vale queso). Al contrario de lo que ocurre en España, Francia o Italia, donde las películas sobre España, Italia o Francia tienen audiencia garantizada (aunque las dirijan extranjeros como González Iñárritu, Woody Allen o Isaki Lacuesta), en México, que yo sepa, sólo la película animada Coco (2017) fue vista con buenos ojos. Quizá una solución sería que Disney/Pixar hicieran su musical de machos, buchonas, narcos y transexuales para que la melaza nos chorree hasta el codo. Al fin y al cabo, Selena y Zoé son chicas Disney, ¿no? Dejen que los extranjeros también filmen o escriban chingaderas, ¡las chingaderas deben ser patrimonio de toda la humanidad!

 

EL LAGO DEL GANSO SALVAJE (2019)

 

 Nanfang chezhan de juhui  (Yi'nan Diao, 2019). China

Título en España y México: El lago del ganso salvaje. Productor: Yu Bu. Guión: Yi'nan Diao. Fotografía: Jingsong Dong (color). Montaje: Jinlei Kong, Matthieu Laclau. Música: B6 (como Nanli Lou). Diseño de producción: Qiang Liu. Actores principales: Ge Hu, Gwei Lun-Mei, Fan Liao, Regina Wan, Dao Qi. Duración: 113 m.

La filmografía del cineasta chino Diao Yinan es breve, pero se le considera uno de los pilares del nuevo cine negro. Ganador del Oso de Oro en el festival de Berlín con Black Coal (2014), en esta película nos sumerge en la confrontación entre dos bandas de ladrones de motos por el dominio de una zona de la ciudad. El asesinato fortuito de un policía conduce al protagonista, Zhou, a una fuga permanente en la que dos mujeres, su esposa y una ex-prostituta, se convierten en guías y sostén entre la vida y la muerte. Opresiva, llena de neones asfixiantes y escenarios degradados por la pobreza, esta película mezcla códigos del cine negro con otros del cine de artes marciales. De manera dinámica y atractiva ofrece con espléndido ritmo una imagen de la vida y la muerte en los barrios bajos muy próxima a la de algunos cineastas de América Latina o los círculos más deteriorados de los cinturones industriales de las grandes ciudades occidentales. En determinada escena, la mirada de cierto tigre en un zoológico se vuelve uno de los momentos más sublimes del reciente cine negro.  Más datos: IMDB

ADIÓS, SHELLEY OYL

Murió Shelley Duvall, la más grande Olive Oyl de la historia. Recientemente volví a ver la maravillosa y corrosiva Popeye, dirigida por Robert Altman en 1980, con un desconocido Robin Williams como el marino tuerto. Me pareció una obra maestra. A años luz de la corrección política actual y de las cursis y asexuadas pelis de superhéroes. La escena del burdel en aquella Popeye de 1980, inolvidable. Que E.C. Segar reciba en su gloria a la hermana de Castor Oyl. Prosit!

ONDINA (CHRISTIAN PETZOLD, 2020)

 

La ondina es una divinidad acuática que sintetiza aspectos de las nereidas y náyades de la mitología grecolatina filtradas o modificadas por la imaginación nórdica. Su figura, muy recurrente en sus leyendas, dio origen a la novela romántica Ondina, de Friedrich de la Motte, donde la princesa marina Ondina se junta en matrimonio con un mortal, el príncipe Huldbrand von Ringstetten, que le jura amor eterno y sólo vivirá mientras sostenga su palabra. Sin embargo, la anterior prometida del príncipe regresa para arrebatárselo a Ondina. Ella tomará venganza antes de regresar a su reino marino.

En líneas generales, la cinta alemana Ondina retoma la figura legendaria y adapta, a su manera, el argumento de la novela de De la Motte. Ondina es una historiadora que imparte conferencias sobre el desarrollo urbano de Berlín. El mismo día en que su amante Johannes la abandona, conoce a Christoph, un buzo que se convertirá en su gran compañero hasta que él tiene un accidente en el trabajo que desencadenará aspectos sobrenaturales y violentos.

Dirigida con pulcritud por Christian Petzold, Ondina es una atractiva historia de amor sobrenatural que adapta con gran acierto los elementos esenciales del personaje legendario y de la novela romántica de Motte, aunque esta queda más como telón de fondo puramente referencial en un contexto absolutamente contemporáneo donde las nuevas maneras de comportarse engendran importantes modificaciones en la trama. Toda la película se sostiene sobre cuatro actores que llevan a cabo un trabajo naturalista y eficiente, destacando, sobre todo Franz Rogowski como Christoph y Paula Beer como Ondina. En especial esta última, es una actriz capaz de sostener con su buen hacer y magnetismo personal toda la película, que se contempla con gusto de principio a fin. Es una bonita revisión de antiguos mitos y leyendas que demuestran la vigencia de los mismos y su inmanencia esencial a cambios de época.

EL HALCÓN Y LA FLECHA (JACQUES TOURNEUR, 1950)

Más allá de sus grandes clásicos de culto, la película más popular de Jacques Tourneur ha sido siempre El halcón y la flecha. Dardo, una especie de Robin Hood de Lombardía, lucha sólo por sí mismo hasta que el sí mismo significa no sólo su libertad, sino la de su pueblo. Fue un gran éxito de público en la fecha de su estreno, y desde entonces se convirtió en un clásico del cine de aventuras, de esos que durante los 70 y 80 repetían a menudo las televisoras en sesiones de cine vespertino: humor, amor, crueldad, venganza, invasores, resistencia, medioevo de cartón piedra pintada con la paleta de colores borrachos de la época (gran trabajo pictórico de Ernest Haller) y bañado en la exultante música de Max Steiner y sobre todo muchas piruetas, pues toda la película es circo, acción, romance y alegría. Hay mandoblazos y hay muertos, pero también hay una joy de vivre incomprensible hoy. Y no podía dejar de mencionar a Virginia Mayo, una de mis actrices favoritas de los años 50 y amor platónico desde la adolescencia. Es una película que siempre debió de verse con sonrisa incólume, y no sabría decir si en su día era cine para niños y adolescentes, o sólo buen cine de aventuras hecho para almas menos maleadas y agrias que las de ahora. Sorprenden hoy como ayer la espléndida condición física de Burt Lancaster y su patiño Nick Cravat para llevar a cabo toda clase de piruetas sin doble. Fueron amigos toda la vida, desde que se conocieron a los nueve años en un campamento de verano; fueron pareja de circo en la década de los 30; rodaron nueve películas juntos; murieron en el mismo 1994. Circo del bueno, circo de antes, cine de antes. Tuvo una secuela que tampoco está mal, El temible burlón, que dirigió Robert Siodmak para lucimiento acrobático, de nuevo, de Lancaster y Cravat. Pocas películas transmiten como ésta la alegría de pelear, amar y vivir como si fueran dogmas de un evangelio perdido.

EL HUNDIMIENTO DEL MARY DEARE (MICHAEL ANDERSON, 1959)

El inglés Michael Anderson fue un cineasta eficiente, no siempre inspirado, a quien debemos películas muy populares entre los 50 y 70, como las agradables La vuelta al mundo en ochenta días (1956), Las sandalias del pescador (1968) o La fuga de Logan (1976). En esta ocasión adaptó un guión escrito por Eric Ambler sobre el misterioso muerte del capitán Taggart del barco Mary Deare y el supuesto hundimiento de su barco, que transportaba tecnología de contrabando a la China comunista. Ambler fue un importante autor de novela de espías de la segunda mitad del XX y autor de la famosa La máscara de Dimitrios, pero en este caso adapta una novela de Hammond Innes. Hilvana muy bien la trama de la novela original y la presentación y desarrollo de personajes, donde sobre todo destaca un maduro Gary Cooper como el capitán Patch y Charlton Heston como el salvador de navíos John Sands, en una interpretación mucho más discreta, pero tocada siempre por la fuerza y mal genio que aquel actor solía tener en sus actuaciones. Película masculina, casi sin mujeres, la discreta presencia de Victoria McKenna como la hija del capitán Haggart se queda más en lo testimonial que otra cosa. También ayuda a redondear la calidad media del film un Richard Harris en el papel del cínico teniente Higgins. Una película más bien rutinaria para fans irredentos de Cooper o Heston.

HUGO (MARTIN SCORSESE, 2011)

Scorsese podría haber logrado un gran clásico de la Navidad si hubiera sacado unos cuantos abetos adornados y trampeado las fechas para hacer coincidir los acontecimientos con el reinado de Santaclós. Total, puestos a contar fantasías, nada le costaba una más, pero claro que no quiso. Concebida para exhibirse comercialmente en 3-D (la apertura de la película corta el aliento y te hace, literalmente, volar sobre París), el genio neoyorkino supo cómo extraer todas las posibilidades y convertir esa limitación en virtud. Antes que nada, consiste en un emotivo homenaje al cine, al arte de sus pioneros y, como no podía ser de otra manera, a George Méliès, fundador del cine como espectáculo de creación narrativa y visual (aunque existieron antecedentes, Méliès fue el Cristóbal Colón del cine como ensueño). Lindos los niños protagonistas, y muy bien arropados por Ben Kingsley, un estupendo guión “de receta” (a cargo de John Logan, creador, productor y escritor de la magistral serie Penny Dreadful, con Eva Green) y estupendos actores haciendo un desempeño, si bien no muy inspirado, sí al menos muy profesional. La muy llorada Helen McRory (1968-2021), quien estuvo divina en la serie inglesa Peaky Blinders es un aliciente más para disfrutar con Hugo.  

CIELO AMARILLO (WILLIAM WELLMAN, 1947)

Magistral película, cine de antes, sin grasa ni manteca. Los actores son de los que llenan la pantalla con interpretaciones duras, concisas y vibrantes. Y cuenta con Anne Baxter, la nieta de Frank Lloyd Wright: una de esas actrices complejas y versátiles que conocieron la fama pero a quienes el tiempo escamoteó su propia mitología. El guión lo firmó Lamar Trotti sin coautoría, basado en una historia del gran autor de novela negra W.R. Burnett, y también fue el productor, de lo que se deduce que la solidez del trabajo vino acompañada de esa responsabilidad autoral. Trotti ya había colaborado con Wellman en otro wéstern maldito considerado hoy entre los mejores de la historia: el duro alegato contra el linchamiento Incidente en Ox-Bow (1942). Además, Wellman está soberbio en el uso de la cámara y de los escenarios (el desolado pueblo Cielo Amarillo) y saca un provecho enorme a las posibilidades expresionistas de interiores en la fotografía, así como en los exteriores quemados por ese cielo amarillo, como en las agónicas escenas que transcurren en el desierto salino. No lanzaré parabienes de Gregory Peck o Richard Widmark, que están inmensos como casi siempre, sino del magistral John Russell en el que, para mi gusto, es el mejor personaje masculino de la película: el maníaco sexual Lengthy, que sólo piensa en lo que esconden las mujeres y que se la tiene jurada a la Mrs. De Winters que Hitchcock descartó por jovenzuela.