EL PLEITO POR EMILIA PÉREZ

Pues a mí sí me gustó Emilia Pérez, el musical “brechtiano” de Jacques Audiard. Claro, yo soy de esos que también disfrutan leyendo a Charles Bowden, viendo series de frontera como The Bridge o pelis como El consejero. Me interesa muchísimo la mirada de los extranjeros sobre México, porque es en la mirada del foráneo donde contrastan más los aciertos, desatinos y peculiaridades de una cultura. La exagerada polémica sobre doña Emilia me recuerda la de Los olvidados, de Luis Buñuel (¡otro extranjero!), de quien se exigió su deportación por “haber ofendido a México” con su cinta. Hoy Los olvidados ostenta, en algunas listas, la curiosa medalla de ser la mejor película del cine mexicano de todos los tiempos, aunque la dirigiera un baturro sordo. Otra cuestión delicada es que, no sé, quizá a muchos intelectuales mexicanos no les guste que fuera de México se rueden películas sobre México, o que se escriban novelas sobre sus pesares nacionales (al pueblo, le vale queso). Al contrario de lo que ocurre en España, Francia o Italia, donde las películas sobre España, Italia o Francia tienen audiencia garantizada (aunque las dirijan extranjeros como González Iñárritu, Woody Allen o Isaki Lacuesta), en México, que yo sepa, sólo la película animada Coco (2017) fue vista con buenos ojos. Quizá una solución sería que Disney/Pixar hicieran su musical de machos, buchonas, narcos y transexuales para que la melaza nos chorree hasta el codo. Al fin y al cabo, Selena y Zoé son chicas Disney, ¿no? Dejen que los extranjeros también filmen o escriban chingaderas, ¡las chingaderas deben ser patrimonio de toda la humanidad!

 

EL LAGO DEL GANSO SALVAJE (2019)

 

 Nanfang chezhan de juhui  (Yi'nan Diao, 2019). China

Título en España y México: El lago del ganso salvaje. Productor: Yu Bu. Guión: Yi'nan Diao. Fotografía: Jingsong Dong (color). Montaje: Jinlei Kong, Matthieu Laclau. Música: B6 (como Nanli Lou). Diseño de producción: Qiang Liu. Actores principales: Ge Hu, Gwei Lun-Mei, Fan Liao, Regina Wan, Dao Qi. Duración: 113 m.

La filmografía del cineasta chino Diao Yinan es breve, pero se le considera uno de los pilares del nuevo cine negro. Ganador del Oso de Oro en el festival de Berlín con Black Coal (2014), en esta película nos sumerge en la confrontación entre dos bandas de ladrones de motos por el dominio de una zona de la ciudad. El asesinato fortuito de un policía conduce al protagonista, Zhou, a una fuga permanente en la que dos mujeres, su esposa y una ex-prostituta, se convierten en guías y sostén entre la vida y la muerte. Opresiva, llena de neones asfixiantes y escenarios degradados por la pobreza, esta película mezcla códigos del cine negro con otros del cine de artes marciales. De manera dinámica y atractiva ofrece con espléndido ritmo una imagen de la vida y la muerte en los barrios bajos muy próxima a la de algunos cineastas de América Latina o los círculos más deteriorados de los cinturones industriales de las grandes ciudades occidentales. En determinada escena, la mirada de cierto tigre en un zoológico se vuelve uno de los momentos más sublimes del reciente cine negro.  Más datos: IMDB

ONDINA (CHRISTIAN PETZOLD, 2020)

 

La ondina es una divinidad acuática que sintetiza aspectos de las nereidas y náyades de la mitología grecolatina filtradas o modificadas por la imaginación nórdica. Su figura, muy recurrente en sus leyendas, dio origen a la novela romántica Ondina, de Friedrich de la Motte, donde la princesa marina Ondina se junta en matrimonio con un mortal, el príncipe Huldbrand von Ringstetten, que le jura amor eterno y sólo vivirá mientras sostenga su palabra. Sin embargo, la anterior prometida del príncipe regresa para arrebatárselo a Ondina. Ella tomará venganza antes de regresar a su reino marino.

En líneas generales, la cinta alemana Ondina retoma la figura legendaria y adapta, a su manera, el argumento de la novela de De la Motte. Ondina es una historiadora que imparte conferencias sobre el desarrollo urbano de Berlín. El mismo día en que su amante Johannes la abandona, conoce a Christoph, un buzo que se convertirá en su gran compañero hasta que él tiene un accidente en el trabajo que desencadenará aspectos sobrenaturales y violentos.

Dirigida con pulcritud por Christian Petzold, Ondina es una atractiva historia de amor sobrenatural que adapta con gran acierto los elementos esenciales del personaje legendario y de la novela romántica de Motte, aunque esta queda más como telón de fondo puramente referencial en un contexto absolutamente contemporáneo donde las nuevas maneras de comportarse engendran importantes modificaciones en la trama. Toda la película se sostiene sobre cuatro actores que llevan a cabo un trabajo naturalista y eficiente, destacando, sobre todo Franz Rogowski como Christoph y Paula Beer como Ondina. En especial esta última, es una actriz capaz de sostener con su buen hacer y magnetismo personal toda la película, que se contempla con gusto de principio a fin. Es una bonita revisión de antiguos mitos y leyendas que demuestran la vigencia de los mismos y su inmanencia esencial a cambios de época.

EL VIEJO Y EL MAR (JOHN STURGES, 1958)

Bueno, qué decir de todo un clásico por los cuatro costados: novela de Hemingway (quizá la más famosa, breve y contundente: con ella ganó el Pulitzer), protagonismo de Spencer Tracy, música de Dimitri Tiomkin ganador del Oscar aquel año, fotografía en Technicolor (in sensu estricto, Warnercolor) a cargo de James Wong Howe… Una horita con veintidós minutos de borrachera cinematográfica old fashion. Un muy emotivo Spencer Tracy en su madurez borda su personaje de Santiago, el anciano pescador que durante cuatro días vaga en su barquichuela arrastrado por un enorme pez espada, que tras su captura es devorado por los tiburones. Una fábula agridulce sobre cómo el éxito se puede convertir en fracaso, o bien sobre cómo el fracaso te puede convertir en héroe. Aunque la dirección fue firmada por el vigoroso John Sturges, parece ser que también intervinieron otros dos grandes: Henry King y Fred Zinemann. Sólo podríamos recriminar a este clásico la voz narradora omnipresente de principio a fin, pero se trata de un tributo a la prosa tersa y poética de Hemingway. Hay otra versión con Anthony Quinn que no he visto, y un precioso cortometraje animado de veinte minutos firmado por Alexander Petrov.

MISTERIO EN LA MARISMA (CLAUDIO DE LA TORRE, 1943)

 

Cuando yo era pequeño, llamaba mi atención una sección de pasatiempos en El País Semanal titulada El Damero Maldito. La firmaba una tal Conchita Montes, cuyo nombre nada me decía, pero intuía que algo singular debía de relacionarse con aquella dama, como algo singular flotaba alrededor de nombres como Corín Tellado, Margarita Landi o Gloria Fuertes. Muchos años después descubrí que aquella Conchita Montes había sido una de las actrices más embrujadoras del cine clásico español, sobre todo por las excelentes películas que rodó a las órdenes de su director bienamado y pareja sentimental: el conde Edgar Neville. Conchita es objeto de mi devoción: licenciada en Derecho, empresaria, actriz de teatro y cine, traductora…, y delgada, bonita, graciosa, con una chispa de ironía como pocas, hablaba como ametralladora y podía decir sus diálogos con una rapidez y claridad sorprendentes. Y tenía una hermosa nariz, señoras y señores, ¡una nariz que no era nariz!, ¡una nariz que era pirámide de Egipto! En Misterio en la marisma no brilla tanto como en La vida en un hilo (Edgar Neville, 1944) o Nada (Edgar Neville, 1947), pero no por ello se desprende de su gracia personal y su gracejo. Es una discreta producción dirigida por Claudio de la Torre, artista inquieto y trotamundos formado en Inglaterra y Francia, donde dirigió a la gran Simone Simon. En esta película nos entrega una finísima mezcla de melodrama gótico “con fantasmita” y comedia de costumbres, donde nos sorprende ver a la reina del tronío ibérico, más conocida como La Faraona, en los tiempos en que todavía era remera del Nilo y bailaba bajo el nombre de Lolita Flores. Destaca también la Sinsombrero Josefina de la Torre, hermana del director, novelista y poeta de la “otra generación del 27”, como la desafortunada en juego y amores Arlett. Recomendable para estudiosos del proto-policiaco español y enamorados de Conchita Montes.

EL HALCÓN Y LA FLECHA (JACQUES TOURNEUR, 1950)

Más allá de sus grandes clásicos de culto, la película más popular de Jacques Tourneur ha sido siempre El halcón y la flecha. Dardo, una especie de Robin Hood de Lombardía, lucha sólo por sí mismo hasta que el sí mismo significa no sólo su libertad, sino la de su pueblo. Fue un gran éxito de público en la fecha de su estreno, y desde entonces se convirtió en un clásico del cine de aventuras, de esos que durante los 70 y 80 repetían a menudo las televisoras en sesiones de cine vespertino: humor, amor, crueldad, venganza, invasores, resistencia, medioevo de cartón piedra pintada con la paleta de colores borrachos de la época (gran trabajo pictórico de Ernest Haller) y bañado en la exultante música de Max Steiner y sobre todo muchas piruetas, pues toda la película es circo, acción, romance y alegría. Hay mandoblazos y hay muertos, pero también hay una joy de vivre incomprensible hoy. Y no podía dejar de mencionar a Virginia Mayo, una de mis actrices favoritas de los años 50 y amor platónico desde la adolescencia. Es una película que siempre debió de verse con sonrisa incólume, y no sabría decir si en su día era cine para niños y adolescentes, o sólo buen cine de aventuras hecho para almas menos maleadas y agrias que las de ahora. Sorprenden hoy como ayer la espléndida condición física de Burt Lancaster y su patiño Nick Cravat para llevar a cabo toda clase de piruetas sin doble. Fueron amigos toda la vida, desde que se conocieron a los nueve años en un campamento de verano; fueron pareja de circo en la década de los 30; rodaron nueve películas juntos; murieron en el mismo 1994. Circo del bueno, circo de antes, cine de antes. Tuvo una secuela que tampoco está mal, El temible burlón, que dirigió Robert Siodmak para lucimiento acrobático, de nuevo, de Lancaster y Cravat. Pocas películas transmiten como ésta la alegría de pelear, amar y vivir como si fueran dogmas de un evangelio perdido.

SANTORAL

La gran actriz española María Casares, quien nació hoy hace 100 añitos. Un buen documental sobre su vida puede ser visto en la página web de RTVE, sólo clicando aquí. 
 

JEAN HARLOW, AFRODITA PANDEMOS: LA JAULA DE ORO (FRANK CAPRA, 1931)

“Cuando soy buena, soy muy buena; pero cuando soy mala, soy mucho mejor”. Esta maravillosa perla de autoconocimiento se debe a Mae West, la gran actriz del Hollywood Pre-Code junto con la rubia platino Jean Harlow, quien también podría haber firmado tal máxima con pincel de vellos púbicos. Pre-Code quiere decir antes de que empezara a ser obligatoria la aplicación del férreo código Hays creado por el apestoso William H. Hays, líder del Partido Republicano, quien ejercía una férrea censura sobre lo que se podía ver, o no, en las pantallas de Estados Unidos. En esta película contamos con la Harlow haciendo de pobre niña rica, insatisfecha en su escabeche, que se enamora y casa con un periodista de nota picante. Por supuesto, este ceniciento o Cinderella Man, dejémoslo en Cinderello, será víctima por haber entrado en una estirada clase social a la que ni pertenece ni podrá adaptarse. Los diálogos chispeantes e ingeniosos se deben a Robert Riskin, y la dirección de Capra, en esta ocasión más esmerada que genial, es capaz de sobreponerse a lo trillado y hasta obsoleto del argumento. Vibrantes y magnificas las escenas dentro de la redacción del periódico. La elegante belleza de Loretta Young se contrapone a la belleza ordinaria pero atrayente de la Harlow, una Afrodita pandemos del Hollywood clásico que, a mi entender, destacó más en el drama que en la comedia. Marilyn Monroe la consideró siempre su musa y modelo.